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Análisis Crítico - Antigua Grecia Clásica

Análisis Crítico de "Atena Varvakeion" por Fidias

Esta obra es una copia de la escultura original que lleva el nombre de “Atenea Partenos” creada por Fidias. La escultura representa a la diosa griega Atenea, que en la mitología representa una de las divinidades principales del panteón griego, y una de las 12 figuras del Olimpo. “Atenea Varvakeion” es una copia de mármol de "Atenea Partenos" esta escultura es considerada la más cercana a la original, es por eso que cobra tento prestigio en la representación de la Grecia Clásica. 

Atenea, diosa de la guerra, civilización, sabiduría,
estrategia, de las artes, la justicia y la habilidad.

En esta escultura se puede observar a una mujer (Atenea), una diosa griega, parada de forma erecta, con el brazo izquierdo a su costado y el brazo derecho estirado con la palma hacia el cielo. En la palma derecha tiene un ángel sin cabeza, y su mano es sostenida por una columna que se conecta con la base de la escultura. Se puede analizar la cantidad de detalles que contiene su vestimenta, como  los dobleces, el moño en el centro del vestido, sus joyas y su corona, que tiene tres humanos con el cuerpo de leones que están en posición de ataque sobre la ella, como en defensa. Tiene una túnica hasta los pies y tiene una lanza en su mano izquierda, con la que sostiene también un escudo.

He aquí un video sobre Atenea

Su vestido debido a las líneas en curvas da al observador un sentimiento de fluidez. Esta escultura tiene forma ya que es tridimensional y tiene una dimensión correcta, ya que la proporción del cuerpo es similar a la de un humano. Consta de textura por ser un objeto tridimensional, incluyendo un balance entre el lado izquierdo y derecho de la obra. Carece de movimiento, y carece de ritmo.

Los dioses del olimpo (agregando 2 dioses más)

Por último, podemos concluir que esta escultura sigue la corriente del imitacionalismo, ya que se está intentando representar a una diosa con el cuerpo de un humano, trayendo lo espiritual hacia algo terrenal, que guarda similitud con la realidad.

Análisis histórico - Época Clásica Griega

Análisis histórico "Apolo se enfrenta a Heracles por la posesión del trípode" 

Apolo se enfrenta a Heracles

Esta pintura titulada "Apolo se enfrenta a Heracles por la posesión del trípode" fue realizada en una vasija de cerámica con pintura negra sobre un fondo amarillo rojizo. Data del año 520 a.C., y tiene un autor desconocido. En ella podemos observar a dos hombres desnudos peleándose por un trípode. Uno de ellos (Apolo) tiene una corona de laureles en la cabeza, y otro (Heracles) tiene barba y un mazo con picos en la mano derecha. Aparte, un venado se encuentra a sus pies, observando a Heracles. Actualmente, esta vasija de cerámica se encuentra ubicada en el Museo del Prado en Madrid.

Esta pintura pertenece a un estilo titulado cerámica de figuras rojas, que apareció en Atenas  hacia 530 a.C. Consta de invertir la pintura, llenando el fondo de negro y que las figuras que son deseadas sean creadas con los huecos dejados en la base. Este estilo permitía poner un poco más de detalles y mejorar el dibujo, que en el caso de esta obra se observa en el detalle de los músculos y el cabello de los dos hombres. Predominan las líneas curvas en los contornos de los cuerpos, y se crean líneas diagonales con las posiciones de los brazos y las piernas de Heracles y Apolo. 

Detalle: líneas diagonales que implican tensión creadas con
el brazo estirado de Apolo y el brazo de Heracles
sosteniendo el maso.

Representación deTeseo derrotando al minotauro

Por ser una obra hecha por un autor desconocido, sólo se puede analizar el contexto histórico de la época, no tanto de la vida del autor. En el periodo Clásico Griego se acostumbraba pintar a los hombres desnudos, para hacer énfasis en la perfección y en la idealización del ser humano; también eran plasmados con cuerpos atléticos, debido a que los atletas eran el ser más acercado a un dios. Con lo que respecta a las representaciones de los héroes, esta pintura es una de las últimas en las que aparece Heracles, debido a que en los episodios plasmados en cerámica, éste es sustituido por Teseo, para interpretar la nueva ideología de democracia que crecía en Grecia. 



En nuestra opinión, esta es una obra valiosa porque a pesar de no tener un autor conocido, plasma bien uno de los estilos característicos de arte durante la Época Clásica Griega; nos deja un ejemplo claro de la ideología y la concepción de pintura del momento.

Para mas información sobre los diferentes tipos de cerámica, visita: Arte Internacional: Cerámica Griega - Etapas y ejemplos

Visita Cultural Artística: La danza de los espectros

Visita Cultural Artística: La danza de los espectros, museo MARCO

¿Qué vieron? ¿Quién o quiénes fueron los encargados del evento o de quién era la exposición? 

Vimos la exposición llamada "La danza de los espectros", de la cuál estuvo encargada el museo MARCO y esta exposición incluía 5 diferentes artistas de origen europeo que migraron a México a mediados del siglo XX. Estos artistas eran: Leonora Carrington, José Horna, Wolfgang Paalen, Alice Rahon y Remedios Varo. Como eran muchos diferentes estilos, decidimos centrarnos en las obras de Remedios Varo. Sus cuadros están hechos de óleo sobre masonite y lápiz sobre papel mantequilla.

¿Qué les gustó más? ¿por qué?

La pintura que más nos gustó se llama "el flautista", y fue la que más nos llamó la atención debido a la gran capacidad de la artista de expresar a través de los tonos, las diferentes texturas utilizadas, como por ejemplo el nácar en la cara del flautista, y por último los variados detalles a los que Remedios Varo les da a sus cuadros, como la mirada de los personajes y las escenografías.

¿Qué características artísticas se presentaron en el evento o exposición artística?

Varias obras de Remedios Varo fueron pintadas en óleo sobre masonite, papel de mantequilla entre otros. El estilo de sus pinturas es conocido como "realismo mágico" que se refiere a la suma de muchas singularidades que en conjunto plasman una época específica, y es influenciada por el surrealismo.

¿Cuál metodología creen la más conveniente para hacer su análisis, la crítica, la histórica o ambas? ¿por qué? Escribe el resultado de su análisis a partir de la metodología que hayan elegido usar.

Creemos que la mejor metodología para hacer nuestro análisis es la metodología crítica debido a que en la pintura se pueden observar muchas cosas, las cuales nos cautivaron para analizar esta obra llamada "Locomoción Capilar."  

En esta obra se pueden observar 5 personajes: de esos, 4 son hombres, y una es mujer. De esos 4 hombres, sólo 3 aparecen de cuerpo completo, y utilizan sus barbas y bigotes como manubrios; van flotando con nubes grises en su cabeza por un pasillo con ladrillos y paredes amarillas que forman arcos. Se puede ver que la mujer está asustada por la expresión de su cara, y está inmovilizada por la barba de la cabeza del cuarto hombre, que aparece en una ventana de una de las paredes amarillas. También observamos en la esquina inferior derecha 4 golondrinas azules que vuelan, y por último en la esquina inferior izquierda, del lado de la mujer, vemos burbujas.

La obra contiene tonos cálidos y fríos a la vez, mayoritariamente cálidos, pero la pintura transmite misterio apelado al miedo, debido a que los colores, aún siendo cálidos, son opacos. Podemos observar líneas diagonales, verticales y curvas, de las cuáles las curvas se distinguen en los arcos y en las puntas de las barbas, que representan la fluidez de los movimientos de los hombres. Por otro lado, las líneas verticales predominan en las paredes, en la posición de los hombres y la dirección de las barbas, que nos plasma la fuerza de los personajes, así como la potencia del lugar en el que se encuentran. La pintura crea la ilusión de cierta textura en la vestimenta de los personajes, aunque sabemos que la obra es bidimensional porque la vimos en el museo. Los personajes se superponen al escenario, por lo que el dibujo tiene la sensación de profundidad. Hay un balance asimétrico, el énfasis se ubica en el hombre vestido de azul porque resalta sobre el fondo cálido, y no existe armonía entre los elementos del cuadro.